Salvador Dalí
André Bretón
martes, 18 de mayo de 2010
1924 / Surrealismo
Se busca dar a conocer visiones del subconsciente, reemplazando la visión racional de las cosas por una interpretación casi mágica de la realidad, basada en relaciones aparentemente irracionales, creando disonancias con la realidad.
El ambiente es inverosímil y se combinan aspectos reales con elementos de fantasía, creando así un clima de suspenso horripilante o de sueño.
Esto es acentuado por la yuxtaposición de objetos sin relación, un horizonte bajo y lejano, símbolos del psicoanálisis, perspectiva acentuada y una aguda iluminación irreal de las escenas.
La técnica es muy minuciosa y muchas veces se pinta cada detalle en forma fotográfica.
Se mezcla y usan diversos medios: dibujo, pintura, fotografía, cine, escultura, grabado y técnicas como el collage, ready made, poema - objeto, frottage, calco (transferencia de un papel a otro de acuarelas o dibujos a tinta mediante una presión).
El propósito es buscar combinaciones técnicas que despojen a los objetos de su significado tradicional. La combinación aparentemente caótica de materiales heterogéneos se orienta hacia la expresión de las más profundos sentimientos del alma.
El ambiente es inverosímil y se combinan aspectos reales con elementos de fantasía, creando así un clima de suspenso horripilante o de sueño.
Esto es acentuado por la yuxtaposición de objetos sin relación, un horizonte bajo y lejano, símbolos del psicoanálisis, perspectiva acentuada y una aguda iluminación irreal de las escenas.
La técnica es muy minuciosa y muchas veces se pinta cada detalle en forma fotográfica.
Se mezcla y usan diversos medios: dibujo, pintura, fotografía, cine, escultura, grabado y técnicas como el collage, ready made, poema - objeto, frottage, calco (transferencia de un papel a otro de acuarelas o dibujos a tinta mediante una presión).
El propósito es buscar combinaciones técnicas que despojen a los objetos de su significado tradicional. La combinación aparentemente caótica de materiales heterogéneos se orienta hacia la expresión de las más profundos sentimientos del alma.
muralizmo 1920
Corriente estética que tiene un auge mundial entre los años veinte y cuarenta, al finalizar la Revolución Mexicana y que surge cuando el arte latinoamericano, dependiente de Europa, tiene en México un momento de particular interés al desarrollar el arte del mural.
Los cambios resultantes de este periodo, sobre todo sociales, generan una nueva visión frente al motivo de representar en las artes así como una nueva manera de ver la vida.
Esto se traduce en mexicanismo, humanismo y universalismo. José Vasconcelos, relacionado en aquel entonces con la Secretaría de Educación y Arte, llama a varios pintores mexicanos para decorar los edificios públicos.
En la capital se distinguen esencialmente tres: Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.
El muralismo responde a los ideales revolucionarios y a la paz política y no es en sí una técnica como el mural o fresco: es una escuela o movimiento.
En Chile, el muralismo se inicia con las brigadas que se organizaron en los años setenta, con fines propagandísticos, las cuales, tras el triunfo de Allende, funcionaron como mensajes concientizadores sobre las responsabilidades del Estado y la sociedad.
Entre las brigadas más conocidas están Ramona Parra, Inti Peredo y Elmo Catalán, las que instauraron un lenguaje particular y con funciones determinadas: rellenos y fondos en colores puros que vibran al interior de gruesas líneas negras del brochazo delineador, la instauración de símbolos (palomas, puños, rostros, estrellas) para formar imágenes fuertes e impactantes que transformaron el paisaje urbano.
Con el Golpe de Estado, el movimiento se interrumpió, subsistiendo apenas como resistencia política; al regreso de la democracia, los artistas han realizado murales en universidades, edificios del centro de la capital, en Valparaíso (donde hay un recorrido especial) e incluso en el Metro.
Los cambios resultantes de este periodo, sobre todo sociales, generan una nueva visión frente al motivo de representar en las artes así como una nueva manera de ver la vida.
Esto se traduce en mexicanismo, humanismo y universalismo. José Vasconcelos, relacionado en aquel entonces con la Secretaría de Educación y Arte, llama a varios pintores mexicanos para decorar los edificios públicos.
En la capital se distinguen esencialmente tres: Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.
El muralismo responde a los ideales revolucionarios y a la paz política y no es en sí una técnica como el mural o fresco: es una escuela o movimiento.
En Chile, el muralismo se inicia con las brigadas que se organizaron en los años setenta, con fines propagandísticos, las cuales, tras el triunfo de Allende, funcionaron como mensajes concientizadores sobre las responsabilidades del Estado y la sociedad.
Entre las brigadas más conocidas están Ramona Parra, Inti Peredo y Elmo Catalán, las que instauraron un lenguaje particular y con funciones determinadas: rellenos y fondos en colores puros que vibran al interior de gruesas líneas negras del brochazo delineador, la instauración de símbolos (palomas, puños, rostros, estrellas) para formar imágenes fuertes e impactantes que transformaron el paisaje urbano.
Con el Golpe de Estado, el movimiento se interrumpió, subsistiendo apenas como resistencia política; al regreso de la democracia, los artistas han realizado murales en universidades, edificios del centro de la capital, en Valparaíso (donde hay un recorrido especial) e incluso en el Metro.
1913 a 1925 / Constructivismo
Movimiento artístico surgido en Rusia, que se basa en el cubismo y estéticamente se relaciona con la ingeniería y la arquitectura.
Sus composiciones son construidas matemáticamente y sus motivos no son ni objetos reales ni fantasías libres del artista.
Estos artistas se inspiraban en la producción técnica desde un punto de vista estético.
Abandonaron el ámbito puramente material y se dedicaron a todos los ámbitos artísticos: diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones.
En el constructivismo la valoración del espacio y el componente espacio/tiempo son fundamentales.
Se plantea, por ejemplo, que una escultura no debe ser una realidad por sí sola, sino que debe integrarse en el espacio, debe recibirlo por todas partes. Para ello utilizan materiales que permitan que el espacio penetre en la escultura, materiales industriales como alambre, madera, vidrio, yeso y plástico.
Al mismo tiempo, los constructivistas rechazan la idea de que el arte debe servir a un propósito socialmente útil y plantean un arte estrictamente abstracto que reflejase la maquinaria y la tecnología moderna.
Luego el movimiento se orientó hacia fines más utilitarios, defendiendo el concepto del artista ingeniero y la función de resolver necesidades sociales.
VER: abstracción rusa
Representantes nacionales:
Marta Colvin, Sergio Castillo
Representantes extranjeros:
Kasimir Malevitch, Naum Gabo, Antoine Pevsner, Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Joaquín Torres García
Sus composiciones son construidas matemáticamente y sus motivos no son ni objetos reales ni fantasías libres del artista.
Estos artistas se inspiraban en la producción técnica desde un punto de vista estético.
Abandonaron el ámbito puramente material y se dedicaron a todos los ámbitos artísticos: diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones.
En el constructivismo la valoración del espacio y el componente espacio/tiempo son fundamentales.
Se plantea, por ejemplo, que una escultura no debe ser una realidad por sí sola, sino que debe integrarse en el espacio, debe recibirlo por todas partes. Para ello utilizan materiales que permitan que el espacio penetre en la escultura, materiales industriales como alambre, madera, vidrio, yeso y plástico.
Al mismo tiempo, los constructivistas rechazan la idea de que el arte debe servir a un propósito socialmente útil y plantean un arte estrictamente abstracto que reflejase la maquinaria y la tecnología moderna.
Luego el movimiento se orientó hacia fines más utilitarios, defendiendo el concepto del artista ingeniero y la función de resolver necesidades sociales.
VER: abstracción rusa
Representantes nacionales:
Marta Colvin, Sergio Castillo
Representantes extranjeros:
Kasimir Malevitch, Naum Gabo, Antoine Pevsner, Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Joaquín Torres García
Abstracción
El concepto "abstracto" se desarrolla a partir de la oposición a la figuración y designa a la vez, dos formas diferentes de arte no figurativo:
2.- La abstracción lírica, que como arte informal es expresión de la creatividad intuitiva.
En lo primero, se utiliza la abstracción como medio racional, con el fin de obtener un aparato ordenador de formas que destaque la estructura de la naturaleza de las cosas que nos rodean como una fórmula operativa; lo segundo alude a aquellas composiciones en que el objeto en sí se vuelve insignificante, ya que lo que importa son las emociones, que en el cuadro se concretan como acordes compuestos de color y línea. La pintura se convierte en la exteriorización de la libertad del espíritu, reflejada a través de colores y formas.
Abstracción geométrica
La funcionalidad y la armonía del orden matemático se convierten en la categoría mental primordial de este horizonte de problemas artísticos, que se impone la tarea de volver objetivo la realidad no figurativa (emociones, ideas).
Las paralelas que se cortan, el cuadrado en toda su firmeza, la recta que no se ve turbada por la relatividad, la curva que en cada uno de sus puntos forma una recta, son hechos que aparentemente nada tienen que ver con las necesidades cotidianas del humano, pero que se vuelven de gran trascendencia a partir del momento en que se convierten en arte.
La abstracción geométrica toma forma en estilos tales como la abstracción post- pictórica, la pintura Colour Field, el Op Art, el minimalismo, etc.
Abstracción rusa
Surgida a principios del siglo XX, se divide en dos movimientos, el suprematismo y el constructivismo.
El primero coloca al cuadrado, el círculo y la cruz como formas elementales de la construcción plástica, pues considera que éstos en su forma geométrica, son símbolos de intuición primitiva y asociaciones mágicas. A partir de estas formas elementales, se desarrollan síntesis más complejas, como las elipsis y los trapecios. Cada composición muestra la concreción material de un sentimiento puro; por ejemplo, una línea diagonal se articula como un símbolo de sentimientos con fines ilimitados.
En el constructivismo ya no es la forma la que convierte el material en una figura específica, sino que la materia define la forma. Se realizan estructuras puramente lógicas, de forma abstracta y geométrica.
Esta vanguardia, ligada a la revolución socialista rusa, declara en su manifiesto que es "un arte técnico, orientado hacia la práctica; rechaza la realización personal individualista, pues sólo admite un arte colectivo realizado en función de la sociedad".
Arte Abstracto
• 1910 / Arte Abstracto
También es llamado arte no figurativo, porque no representa ningún objeto real.
Este movimiento artístico rechaza la representación objetiva de la realidad, transformándola en formas pictóricas que aparentemente no tienen ninguna relación con ella.
Se da independencia a la Línea, color y ritmo para que constituyan nuevas combinaciones entre sí. Por tanto, es una pintura espontánea, en la que el artista da rienda suelta a la imaginación y emoción del momento, dejando plena libertad de interpretación al espectador.
En el arte abstracto se dan tres tendencias básicas:
1.- La reducción de las apariencias naturales a formas radicalmente simplificadas.
2.- La construcción de objetos artísticos a partir de formas básicas no figurativas.
3.- La libre expresión espontánea.
También es llamado arte no figurativo, porque no representa ningún objeto real.
Este movimiento artístico rechaza la representación objetiva de la realidad, transformándola en formas pictóricas que aparentemente no tienen ninguna relación con ella.
Se da independencia a la Línea, color y ritmo para que constituyan nuevas combinaciones entre sí. Por tanto, es una pintura espontánea, en la que el artista da rienda suelta a la imaginación y emoción del momento, dejando plena libertad de interpretación al espectador.
En el arte abstracto se dan tres tendencias básicas:
1.- La reducción de las apariencias naturales a formas radicalmente simplificadas.
2.- La construcción de objetos artísticos a partir de formas básicas no figurativas.
3.- La libre expresión espontánea.
lunes, 26 de abril de 2010
Manifiesto
Un manifiesto es una declaración pública de principios e intenciones, a menudo de naturaleza política o artística.
En Arte, a partir de las vanguardias, manifiesto suele llamarse a una expresión reivindicativa que simboliza la voluntad de estilo de un grupo de artistas o de un nuevo movimiento. Puede ser un escrito que se publica, como el Manifiesto futurista de Filippo Tommaso Marinetti (20 de febrero de 1909 Le Figaro), o el Manifiesto neoplasticista de Piet Mondrian (1917 De Stijl), o el Primer manifiesto dadá de Tristan Tzara (1918), o el Manifiesto surrealista de André Bretón (1924); o puede ser una obra de arte que se considera simboliza y resume lo que ese movimiento propone, por ejemplo: le Dejuner sur l'herbe de Manet (1862) para el impresionismo o Les Demoiselles d'Avignon (1907) de Picasso para el cubismo.
En Arte, a partir de las vanguardias, manifiesto suele llamarse a una expresión reivindicativa que simboliza la voluntad de estilo de un grupo de artistas o de un nuevo movimiento. Puede ser un escrito que se publica, como el Manifiesto futurista de Filippo Tommaso Marinetti (20 de febrero de 1909 Le Figaro), o el Manifiesto neoplasticista de Piet Mondrian (1917 De Stijl), o el Primer manifiesto dadá de Tristan Tzara (1918), o el Manifiesto surrealista de André Bretón (1924); o puede ser una obra de arte que se considera simboliza y resume lo que ese movimiento propone, por ejemplo: le Dejuner sur l'herbe de Manet (1862) para el impresionismo o Les Demoiselles d'Avignon (1907) de Picasso para el cubismo.
exponentes de Futurismo
Filippo Marinetti
Luigi Russolo
Carlo Carrá
Umberto Boccioni
Giacomo Balla
Gino Severini
Luigi Russolo
Carlo Carrá
Umberto Boccioni
Giacomo Balla
Gino Severini
Futurismo 1909-01914
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.
Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su manifiesto hay un punto que dice:
Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer.
La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.
Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.
Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.
Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.
Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su manifiesto hay un punto que dice:
Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer.
La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.
Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.
Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.
exponentes del Cubismo
Pablo Picasso
George Braque
Juan Gris
Fernand Leger
Louis Morcoussis
Albert Gleizes
Jean Metzinger
André Lhote
Marcel Duchamp
Francis Picabia
Robert Delaunay
George Braque
Juan Gris
Fernand Leger
Louis Morcoussis
Albert Gleizes
Jean Metzinger
André Lhote
Marcel Duchamp
Francis Picabia
Robert Delaunay
Cubismo. Pintura y escultura cubista
Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.
George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.
Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.
Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que hará un replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.
El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada.
Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.
Etapas del Cubismo
Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo.
Cubismo Analítico
caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.
Cubismo Sintético
Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.
Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.
Exponentes del Fauvismo
Henri Matisse
André Derain
Maurice de Vlaminck
Henri Manguin
Albert Marquet
Emile Oton Frisz
Geor Braque
Raoul Dufy
André Derain
Maurice de Vlaminck
Henri Manguin
Albert Marquet
Emile Oton Frisz
Geor Braque
Raoul Dufy
Fauvismo 1905-1910
Protagonistas del fauvismo
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.
El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy.
El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.
Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.
Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.
El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy.
El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.
Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.
Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.
lunes, 12 de abril de 2010
Representantes extranjeros del expresionismo
"Mad kindhase", Paula Modersohn-Becker
"Golgota", Eduard Munch
"Suicide", George Grosz
"La nuit", Max Beckmann
Representantes nacionales del expresionismo
"La tierra" Tolila Albert
"dos desnudos" Henriette Petit
"El balcón"Ximena Cristi
1903 a 1930 / Expresionismo
Movimiento desarrollado entre 1885 y 1930 en Escandinavia, Francia y Alemania y que bajo la influencia de Van Gogh, el modernismo y la secesión austríaca, reacciona contra el ideal tradicional de la concordancia formal, proclamando la ruptura total con el sistema artístico del siglo XIX.
El artista, con la intención de lograr la representación de una realidad fatal, se preocupa más de la expresión directa de los sentimientos, que del refinamiento de la técnica pictórica, exponiéndose con esto a los cuestionamientos de la crítica.
En su rechazo radical de la figura humana elevada e idealista del siglo XIX, los expresionistas pintan lo feo, lo vulgar y los tabúes al igual que la belleza original de lo natural, ilustrando mediante los contrastes, el horizonte negativo de las experiencias de la vida y el orden equivocado de valores que dan los prejuicios reinantes.
El estilo expresionista, que abarca las diferentes áreas artísticas como la pintura, la poesía, el cine o el teatro, se concreta en la rebelión contra la injusticia social, en el desdén hacia los bienes convencionales de la cultura, en el entusiasmo por la naturalidad, en la lucha contra la guerra y el poder y finalmente, en la vaga esperanza de la creación de un mundo nuevo: " Quiero presentar unos seres que respiren, sientan, amen y sufran.
El observador debe darse cuenta de lo sagrado que hay en ellos, de manera que se quite el sombrero al mirarlos, como si estuviera en la iglesia", dijo un famoso pintor expresionista.
Estos artistas buscan la expresión apasionada de los sentimientos, como reacción exacerbada a la experimentación de los mismos; con este propósito la Línea, color y forma se alteran, van más allá de lo que es la realidad, se eliminan los detalles y se exagera lo que parece de mayor importancia.
Sus imágenes son muy intensas, deformadas e incluso caricaturescas. Los expresionistas se oponen al academicismo formal y del racionalismo en el arte; a ellos los mueve el instinto, la intuición, la depresión y la angustia por el caos del mundo.
La realidad, cualquiera que ella sea, se representa con absoluta libertad, sin preocupaciones naturalistas o teóricas. Utilizan formas de contornos duros y angulosos, normalmente en color negro y delineadas con pinceladas rápidas.
En su sentido más amplio el término expresionismo se aplica a cualquier forma de ate en la que predomina el sentimiento subjetivo por encima de la observación objetiva, reflejándose el estado anímico del artista más que las imágenes que conforman nuestra experiencia visual.
El artista, con la intención de lograr la representación de una realidad fatal, se preocupa más de la expresión directa de los sentimientos, que del refinamiento de la técnica pictórica, exponiéndose con esto a los cuestionamientos de la crítica.
En su rechazo radical de la figura humana elevada e idealista del siglo XIX, los expresionistas pintan lo feo, lo vulgar y los tabúes al igual que la belleza original de lo natural, ilustrando mediante los contrastes, el horizonte negativo de las experiencias de la vida y el orden equivocado de valores que dan los prejuicios reinantes.
El estilo expresionista, que abarca las diferentes áreas artísticas como la pintura, la poesía, el cine o el teatro, se concreta en la rebelión contra la injusticia social, en el desdén hacia los bienes convencionales de la cultura, en el entusiasmo por la naturalidad, en la lucha contra la guerra y el poder y finalmente, en la vaga esperanza de la creación de un mundo nuevo: " Quiero presentar unos seres que respiren, sientan, amen y sufran.
El observador debe darse cuenta de lo sagrado que hay en ellos, de manera que se quite el sombrero al mirarlos, como si estuviera en la iglesia", dijo un famoso pintor expresionista.
Estos artistas buscan la expresión apasionada de los sentimientos, como reacción exacerbada a la experimentación de los mismos; con este propósito la Línea, color y forma se alteran, van más allá de lo que es la realidad, se eliminan los detalles y se exagera lo que parece de mayor importancia.
Sus imágenes son muy intensas, deformadas e incluso caricaturescas. Los expresionistas se oponen al academicismo formal y del racionalismo en el arte; a ellos los mueve el instinto, la intuición, la depresión y la angustia por el caos del mundo.
La realidad, cualquiera que ella sea, se representa con absoluta libertad, sin preocupaciones naturalistas o teóricas. Utilizan formas de contornos duros y angulosos, normalmente en color negro y delineadas con pinceladas rápidas.
En su sentido más amplio el término expresionismo se aplica a cualquier forma de ate en la que predomina el sentimiento subjetivo por encima de la observación objetiva, reflejándose el estado anímico del artista más que las imágenes que conforman nuestra experiencia visual.
Artes visuales
El concepto Artes Visuales se gesta a fines de la II Guerra Mundial, cuando los artistas europeos que habían emigrado a New York asientan una producción artística que se relaciona con la libertad expresiva y formal propiciada por las vanguardias de fines del S. XIX, a lo que se sumó el crucial empuje que significaron las propuestas de Marcel Duchamp.
Pero es alrededor de 1980 cuando el término "Artes Visuales" empieza a predominar en el vocabulario, pues es más adecuado para el arte contemporáneo que la denominación "Artes Plásticas".
En las artes plásticas se comprende que cada una de las disciplinas, ya sea dibujo, grabado, escultura, pintura o fotografía, es un ámbito cerrado en sí mismo, con sus métodos y fronteras bien definidas. Cada una tiene su universo propio que dialoga levemente con los otros.
En cambio, el arte desde la segunda mitad del S. XX en adelante, propone una vasta interacción; en principio esto se lleva a cabo integrando a la pintura o escultura, otros recursos y lenguajes diversos, tales como sonidos, escritura, imágenes en movimiento, etc.
Esto naturalmente genera una amplia cantidad de formas posibles de hacer arte, ya que los criterios de producción y clasificación son más abiertos e integrados.
Los artistas visuales normalmente circulan por diversas áreas creativas: diseñan ambientes o instalaciones, crean actos teatrales efímeros o perfomances, luego se interesan en utilizar videos, imágenes de TV y medios digitales, experimentan integrando la escultura con la pintura o con la imagen en movimiento, recogen objetos y los utilizan estéticamente, intervienen fotografías, recurren a la música o a la luz, se alimentan del cómic, del imaginario popular y los medios de masas, o toman prestado elementos de la publicidad y el diseño.
Y muchas veces, crean y diseñan la obra, pero otras personas las hacen.
Básicamente, las ideas que definen el Arte Visual son:
• Apropiación
Por parte del artista, de una cantidad ilimitada de recursos así como de estilos, incluso de siglos pasados (Renacimiento o Quattrocento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo), los que son incorporados de modo innovador al interior de las composiciones.
Circulación y Experimentación
Puesto que la gran mayoría de los artistas cuenta con una disciplina base, por ejemplo, pintura o fotografía, pero investiga otras disciplinas que puedan potenciar estéticamente su producción; ésta es vista entonces como una continuidad (basada en conceptos) que se presenta a través de diferentes soportes y materias.
• Pluralismo y Globalización
Tiene que ver con la fluida comunicación entre artistas de distintos países y continentes, facilitada por medios de comunicación como internet, o por las cada vez más óptimas condiciones de viaje, traspaso de fronteras y emigración.
El fenómeno de la globalización permite un enriquecimiento del lenguaje artístico, puesto que ingresan a la "escena internacional" artistas tercermundistas que aportan elementos estéticos de su propias culturas; así mismo, se produce una suerte de similitud general en el estilo: ya no se distingue una obra como característica de un país, y tampoco es relevante que así sea.
Estrategias Expositivas
Tanto los artistas como los curadores buscan nuevas estrategias expositivas acordes a la naturaleza de las obras, creando exposiciones innovadoras en ideas, montaje y formatos.
Experimentan con la ocupación de espacios públicos o sitios abandonados, la instalación de la muestra exclusivamente en Internet o en periódicos, y también con variaciones en la duración de la misma: desde pocas horas, hasta el clásico período de varias semanas o meses de exhibición
A continuación, una cronología de los principales movimientos artísticos surgidos durante el S.XX, con una aproximación a aquellos estilos que influyeron a artistas chilenos y fueron desarrollados por ellos.
Expresionismo
Movimiento desarrollado entre 1885 y 1930 en Escandinavia, Francia y Alemania y que bajo la influencia de Van Gogh, el modernismo y la secesión austríaca, reacciona contra el ideal tradicional de la concordancia formal, proclamando la ruptura total con el sistema artístico del siglo XIX.
El artista, con la intención de lograr la representación de una realidad fatal, se preocupa más de la expresión directa de los sentimientos, que del refinamiento de la técnica pictórica, exponiéndose con esto a los cuestionamientos de la crítica.
En su rechazo radical de la figura humana elevada e idealista del siglo XIX, los expresionistas pintan lo feo, lo vulgar y los tabúes al igual que la belleza original de lo natural, ilustrando mediante los contrastes, el horizonte negativo de las experiencias de la vida y el orden equivocado de valores que dan los prejuicios reinantes.
El estilo expresionista, que abarca las diferentes áreas artísticas como la pintura, la poesía, el cine o el teatro, se concreta en la rebelión contra la injusticia social, en el desdén hacia los bienes convencionales de la cultura, en el entusiasmo por la naturalidad, en la lucha contra la guerra y el poder y finalmente, en la vaga esperanza de la creación de un mundo nuevo: " Quiero presentar unos seres que respiren, sientan, amen y sufran.
El observador debe darse cuenta de lo sagrado que hay en ellos, de manera que se quite el sombrero al mirarlos, como si estuviera en la iglesia", dijo un famoso pintor expresionista.
Pero es alrededor de 1980 cuando el término "Artes Visuales" empieza a predominar en el vocabulario, pues es más adecuado para el arte contemporáneo que la denominación "Artes Plásticas".
En las artes plásticas se comprende que cada una de las disciplinas, ya sea dibujo, grabado, escultura, pintura o fotografía, es un ámbito cerrado en sí mismo, con sus métodos y fronteras bien definidas. Cada una tiene su universo propio que dialoga levemente con los otros.
En cambio, el arte desde la segunda mitad del S. XX en adelante, propone una vasta interacción; en principio esto se lleva a cabo integrando a la pintura o escultura, otros recursos y lenguajes diversos, tales como sonidos, escritura, imágenes en movimiento, etc.
Esto naturalmente genera una amplia cantidad de formas posibles de hacer arte, ya que los criterios de producción y clasificación son más abiertos e integrados.
Los artistas visuales normalmente circulan por diversas áreas creativas: diseñan ambientes o instalaciones, crean actos teatrales efímeros o perfomances, luego se interesan en utilizar videos, imágenes de TV y medios digitales, experimentan integrando la escultura con la pintura o con la imagen en movimiento, recogen objetos y los utilizan estéticamente, intervienen fotografías, recurren a la música o a la luz, se alimentan del cómic, del imaginario popular y los medios de masas, o toman prestado elementos de la publicidad y el diseño.
Y muchas veces, crean y diseñan la obra, pero otras personas las hacen.
Básicamente, las ideas que definen el Arte Visual son:
• Apropiación
Por parte del artista, de una cantidad ilimitada de recursos así como de estilos, incluso de siglos pasados (Renacimiento o Quattrocento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo), los que son incorporados de modo innovador al interior de las composiciones.
Circulación y Experimentación
Puesto que la gran mayoría de los artistas cuenta con una disciplina base, por ejemplo, pintura o fotografía, pero investiga otras disciplinas que puedan potenciar estéticamente su producción; ésta es vista entonces como una continuidad (basada en conceptos) que se presenta a través de diferentes soportes y materias.
• Pluralismo y Globalización
Tiene que ver con la fluida comunicación entre artistas de distintos países y continentes, facilitada por medios de comunicación como internet, o por las cada vez más óptimas condiciones de viaje, traspaso de fronteras y emigración.
El fenómeno de la globalización permite un enriquecimiento del lenguaje artístico, puesto que ingresan a la "escena internacional" artistas tercermundistas que aportan elementos estéticos de su propias culturas; así mismo, se produce una suerte de similitud general en el estilo: ya no se distingue una obra como característica de un país, y tampoco es relevante que así sea.
Estrategias Expositivas
Tanto los artistas como los curadores buscan nuevas estrategias expositivas acordes a la naturaleza de las obras, creando exposiciones innovadoras en ideas, montaje y formatos.
Experimentan con la ocupación de espacios públicos o sitios abandonados, la instalación de la muestra exclusivamente en Internet o en periódicos, y también con variaciones en la duración de la misma: desde pocas horas, hasta el clásico período de varias semanas o meses de exhibición
A continuación, una cronología de los principales movimientos artísticos surgidos durante el S.XX, con una aproximación a aquellos estilos que influyeron a artistas chilenos y fueron desarrollados por ellos.
Expresionismo
Movimiento desarrollado entre 1885 y 1930 en Escandinavia, Francia y Alemania y que bajo la influencia de Van Gogh, el modernismo y la secesión austríaca, reacciona contra el ideal tradicional de la concordancia formal, proclamando la ruptura total con el sistema artístico del siglo XIX.
El artista, con la intención de lograr la representación de una realidad fatal, se preocupa más de la expresión directa de los sentimientos, que del refinamiento de la técnica pictórica, exponiéndose con esto a los cuestionamientos de la crítica.
En su rechazo radical de la figura humana elevada e idealista del siglo XIX, los expresionistas pintan lo feo, lo vulgar y los tabúes al igual que la belleza original de lo natural, ilustrando mediante los contrastes, el horizonte negativo de las experiencias de la vida y el orden equivocado de valores que dan los prejuicios reinantes.
El estilo expresionista, que abarca las diferentes áreas artísticas como la pintura, la poesía, el cine o el teatro, se concreta en la rebelión contra la injusticia social, en el desdén hacia los bienes convencionales de la cultura, en el entusiasmo por la naturalidad, en la lucha contra la guerra y el poder y finalmente, en la vaga esperanza de la creación de un mundo nuevo: " Quiero presentar unos seres que respiren, sientan, amen y sufran.
El observador debe darse cuenta de lo sagrado que hay en ellos, de manera que se quite el sombrero al mirarlos, como si estuviera en la iglesia", dijo un famoso pintor expresionista.
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